FRÜHJAHRSAUSSTELLUNG

13.04.2024 – 04.05.2024
Andreas Caderas, Katsuhito Nishikawa, Aisaku Suzuki, Shirô Tsujimura, Hideaki Yamanobe
Galerie Friedrich Müller: Japan Art

Galerie Friedrich Müller: Japan Art
Braubachstraße 9
60311 Frankfurt am Main

T. +49 69 282839

Di–Fr 10–13 und 14-18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
u.n.V.

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Grandezza überfällt das Haus

15.03.2024 – 27.04.2024
Tjark Ihmels
Galerie Greulich

Galerie Greulich
Fahrgasse 22
60311 Frankfurt am Main

T. 069 680 961 29
m. 0172 102 507 3

Mi–Fr 13–19 Uhr
Sa 11–4 Uhr

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HALT

15.03.2024 – 20.04.2024
Sebastian Neeb, Marco Wagner
Galerie Leuenroth

Die Schwierigkeit aus dem Lokalen heraus das Globale zu fassen, ist unserer Zeit immanent und der Versuch, die Welt aus dem vertrauten Idyll heraus zu begreifen, zum Scheitern verurteilt. Doch wir verweigern uns der Ohnmacht, ringen um Antworten, wollen Ordnung und suchen Halt. Allerdings nicht jeder meint das Gleiche, wenn er von Halt spricht. Auch das ist ein Problem unserer Zeit, was es aber auszuhalten und zu ergründen gilt. Was könnte also gemeint sein? Eine Stütze, eine Handreichung, Geborgenheit, Orientierung, das Beständige oder ist die Rede von physischen Barrieren, vom Aufhalten und Abschotten. Oder ist ein Innehalten gemeint, verbunden mit der Aufforderung unser Handeln zu unterbrechen und auch zu hinterfragen. In ihrer künstlerischen Arbeit tun Sebastian Neeb und Marco Wagner eben dieses. Sie betrachten und hinterfragen die Vielheit des Menschseins. Sie schauen auf unsere Sehnsüchte, brechen das vertraute Idyll auf und weiten den Blick vom vermeintlich geschützten Heim, über den Stammtisch bis hin zu den Manipulationen, denen wir anhaltend ausgesetzt sind und dennoch behaupten selbstbestimmt zu handeln. Eines ist gewiss, der Mensch fürchtet sich davor ohne Halt zu sein und wenn dieser ihm droht, verloren zu gehen, strampelt er heftig und greift auch nach dem fragwürdigsten Strohhalm.

Dass er dabei zuweilen eine recht lächerliche Figur abgibt, ist auch den beiden Künstlern nicht entgangen und so verwundert es nicht, dass das Komische ein wesentliches Element ihrer künstlerischen Arbeit ist. Humor ist ja auch ein Weg, um auszuhalten und im Moment des unausweichlich Tragischen nicht daran zu verzweifeln. Hal heißt im Schwedischen übrigens rutschig. Ja, da fehlt ein t, aber so ist das halt.

Galerie Leuenroth
Fahrgasse 15
60311 Frankfurt am Main

Tel. +49 175 5617654

Mi–Fr 13–18 Uhr
Sa 12–16 Uhr u.n.V.

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Lichter Raum

15.03.2023 – 27.04.2024
Simone Distler, Joseph Stephan Wurmer
Galerie Maurer

Die Skulpturen von Joseph Stephan Wurmer haben ihren Ursprung im meist frisch gefällten Baumstamm. Und sie sind fast ausschließlich aus einem Stück gearbeitet. Neben diversen, Schreinern vertrauten Werkzeugen ist die Kettensäge sein wichtigstes Arbeitsgerät. Jeder Sägeschnitt und jede Bearbeitung erfolgt im Wissen um die eigengestalterischen Kräfte des Holzes, zu denen vor allem Schwundrisse beim Trocknungsprozess gehören. Wie er mit dem Holz arbeitet, arbeitet das Holz mit ihm. […] Hölzer wie Pappel, Zeder, Ahorn und Platane sind das bevorzugte Material des Bildhauers, dem er abstrakte Formkörper abringt: kompakte Kegel, Kugeln, Quader, Würfel oder auch Zylinder. Sie werden durch Schnitte geöffnet, in ihrer Substanz teils gänzlich ausgehöhlt, teils in Schichten aufgebrochen. Die Schnitte legen, wenn man so will, gleichsam die „Seele“ des Holzes frei. […] Gelegentlich integriert er natürliche Strukturen des Holzes in ihrer ursprünglichen Form in die Gestaltung, […] wodurch das streng-geometrische Grundprinzip subtil variiert wird. […] Ihre Dynamik und Spannung beziehen die Skulpturen Wurmers durch die austarierte Polarität des Organischen und Konstruktiven. […] Die Natur steht spannungsvoll gegen die Künstlichkeit, das natürlich Gewachsene gegen das gewollt Gemachte, die amorphe Naturform gegen die gestaltete Menschenform. Organisches Wachstum und konstruktiv Gestaltetes, Geschlossenheit und Transparenz, Chaos und Ordnung, Bewegung und Licht fügen sich in den Skulpturen von Joseph Stephan Wurmer zu einem ästhetischen Ganzen, in dem Natur- und Kunstschönheit zusammenfallen.
(Joachim Haller M. A., Museum und Galerie im Prediger Schwäbisch Gmünd)

In ihren Gemälden auf Leinwand und Papier entwirft Simone Distler Bildwelten, die vielschichtige Assoziationsräume zu wogenden Wasserflächen, eisigen Schneefeldern, fernen Meeresküsten, dunstigen Nebelschleiern oder weiten Horizonten eröffnen. Mit einem freien und gestisch bewegten Malduktus entstehen teils großformatig angelegte Bildschöpfungen, die gleichermaßen fragil und luftig wie auch wuchtig und kraftvoll den Spannungsbogen ausloten zwischen dynamischer Formauflösung und energischer Formverdichtung. Ebenso changieren die Arbeiten stets zwischen Abbilden und Abstrahieren, können zugleich gegenständlich für Landschaftliches oder Naturhaftes lesbar sein, oder gänzlich abstrakt die Kraft reiner Flächen, Linien und Strukturen beschwören. Diese Ambivalenz des Dazwischen und des Übergangs machen die besondere Faszination ihrer Malerei aus. „In meiner künstlerischen Auseinandersetzung ist die Natur ein wesentliches Thema“, erklärt Simone Distler. „Ich beschäftige mich mit scheinbaren Gegensätzlichkeiten wie z. B. Bewegung und Ruhe und deren Gleichzeitigkeit im Bild. Ich evoziere das Landschaftliche, suche dabei aber immer Momente des Übergangs, hin zu einer bloßen Ahnung. Es geht mir nicht um die Abbildung äußerer Dinge, sondern um den Versuch, innere Vorgänge sichtbar zu machen und den Schein von etwas Unendlichem im Endlichen hervorzurufen. (…)“
Zentral für die Aussage und Wirkung ihrer Bilder ist Distlers virtuose Maltechnik. Mit Pinseln, Schwammen, Besen oder Rakeln wird die Farbe in vielfachen Schichtungen auf Leinwände und Papiere gebracht. Wischen und Schattieren, Sprühen und Freilegen prägen den komplexen Malprozess, der unmittelbar sichtbar bleibt und damit ganz wesentlich die ausdrucksgeladene Atmosphäre der Bilder prägt. (Einführungsrede Kunstverein Radolfzell 2023 von Dr. Andreas Gabelmann, Auszüge)

Galerie Maurer
Fahrgasse 5
60311 Frankfurt am Main

Tel.: +49) 069 900 256 40

Mi–Fr 13–18 Uhr
Sa 12–16 Uhr u.n.V.

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Duality

15.03.2024 – 27.04.2024
Alexander Deubl
Galerie Siedlarek

In seinen Arbeiten erforscht und verarbeitet Alexander Deubl die Energie urbaner Räume. Dazu begibt sich der Bildhauer an divergente Orte - Bürokomplexe, Kühlhäuser, Striptease-Lokale, oder Aufzugschächte - und übersetzt die jeweiligen Impulse des Ortes in minimalistische Einzelobjekte oder raumgreifende Installationen. Deubls Interesse gilt hierbei den physikalisch-künstlerischen Grundelementen Licht, Farbe und Raum, ihrem Erscheinen und ihrer Wirkung unter unterschiedlichen materiellen Bedingungen.

„Duality“ ist die erste Einzelausstellung Alexander Deubls mit der Galerie Siedlarek und konzentriert sich auf zwei zentrale Werkgruppen: die installativen Lamellenarbeiten und die digitalen LED-Lichtobjekte. Eigens für die Ausstellung in der Galerie Siedlarek hat der Künstler die freihängende Rauminstallation „Stratorama Frankfurt“ geschaffen: Ein stratographisches Großdiarama, das den vorderen Ausstellungsraum in eine begehbare kinetische Bühne verwandelt. Für die Arbeit hat Deubl die Lamellen eines ehemaligen Fensterbehangs aus den Büros der einstigen Tengelmann-Zentrale in München verwendet und mit f luoreszierenden Acrylfarben bemalt. Wie in einem geometrischen Tanz formen sich die leuchtenden Farben auf den Lamellen den Tag über zu immer neuen Szenen und Räumen. Das einfallende Licht sorgt für zusätzliche Effekte, Farb- und Lichtspiele, Formen und Schemen. Teilte der ursprüngliche Fensterbehang Räume noch in ein eindeutiges Davor und Dahinter, in Innen und Außen, wird in Deubls Installation der Vorhang selbst zum Ereignis, das unsere Wahrnehmung von Raum, Licht und Farbe neu herausfordert.

Die LED-Objekte im hinteren Kabinettraum ziehen uns in die neo-romantischen Lichterwelten des modernen Nachtlebens. Sie sind inhaltlich von dem 1956 entstandenen Essay „Strip-tease“ von Roland Barthes aus dem Sammelband Mythen des Alltags inspiriert. In seinem Aufsatz beschäftigt sich der französische Theoretiker mit der Dekonstruktion des Striptease und seiner kulturellen Bedeutung. Deubls verspiegelte LED-Kästen verführen uns mit den globalisierten Symbolen für Geld (Dollarzeichen), Liebe (Herz) und Schicksal (Stern), die vor unseren Augen einen hypnotischen Tanz aufführen. Die großformatige Arbeit Tell me, do you want me to do the Shimmy again? lockt uns zudem mit eben dieser Liedzeile aus Tina Turners „Private Dancer“, wobei durch die Selbstbespiegelung des Betrachters nicht mehr eindeutig gesagt werden kann, wer hier eigentlich für wen tanzt — wer Subjekt und wer Objekt ist. Deubl´s Spiegelkonstruktionen öffnen ambivalente Sehnsuchtsräume, die uns gleichzeitig mit persönlichen Träumen und sozioökonomischen Zwängen konfrontieren - und so auch als kritischer Kommentar auf die Bedingungen des Kunstmarkts gelesen werden können.

Galerie Siedlarek
Fahrgasse 20
60311 Frankfurt am Main

T. 0176 80 45 26 51

Mi – Fr 12–18 Uhr
Sa 11–16 Uhr

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Malerei durch Skulptur

09.03.2024 – 04.05.2024
Hendrik Zimmer
Galerie Heike Strelow

Since 2022, Hendrik Zimmer has focused on the technique of woodcut, an old artistic process that he has been reinterpreting. Accentuated outlines, stylization of the surface, a tendency towards closed areas of colour and strict geometrization are characteristics of this technique, which Zimmer deliberately integrates into his clear, powerful images. In doing so, he experiments with different color densities, color intensities and structures and continues the characteristic play of his earlier works, which oscillates between two- and three-dimensionality, between pictorial surface and pictorial depth. He is particularly interested in materiality and the artistic creation process, which he describes as a process in which the works are created 'like a painting by sculpture'.
Zimmer develops his visual language by combining forms and objects from different contexts. From this, he develops his own pictorial realms that do not 'depict' anything, but are something entirely of his own. They arise from Zimmer's 'fascination with the world and its people, its beauty and its abysses', hinting at the familiar, but allowing the viewer to fill the resulting spaces with their own observations, experiences and memories. Zimmer's works are about 'the truthfulness of the seeker, about process and change'. This is evident not only in the open legibility of his pictures, but also in the visibility of his working process. The artistic process of creation, the transformation of the image, but also its perception are Zimmer's artistic driving forces.

His new works once again emphasize Zimmer's love for posters, book illustrations and all kinds of printed matter. While he previously used these as material or templates, he now turns to the technique of woodblock printing, the oldest method of reproducing images. Like the artists of the European avant-garde of the 20th century, Zimmer drew on the technique of the great Japanese woodcut workshops, which had been producing multi-colored prints since the 10th century. This allows him to play with a variety of colors, sometimes bright, sometimes saturated. The use of rather rough canvases, as well as experimenting with paper as an additional layer, also opens up further wide-ranging possibilities for Zimmer's use of color. The result are unique pieces, reminiscent of artworks from the 1920s and 60s, which simultaneously feature Zimmer's distinctive signature.

Galerie Heike Strelow
Lange Straße 31
60311 Frankfurt am Main

Tel. +49 69 48 00 54 40

Mo, Mi–Fr 12–18 Uhr
Sa 12–15 Uhr u.n.V.

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MENSCH

07.03.2024 – 11.04.2024
Walter Schembs
Galerie Barbara von Stechow

Walter Schembs wurde 1956 in Worms geboren. Angeregt durch seine Ausbildung als Schreiner und Möbelrestaurator begann er ab 1985 mit der Holzbildhauerei. Seine Verbundenheit zur Natur und der Wille zur Kreativität förderten seinen Weg zum Künstlerdasein. Er ist Mitbegründer der Kunst-Triennale Blickachse Worms und erhielt 2005 den Kunstpreis der Stadt Walldorf.

Im Mittelpunkt seines bildhauerischen Oeuvres steht die menschliche Gestalt. Auf der Grundlage der menschlichen Körperform erschafft Walter Schembs typisierte und doch individuelle Figuren, deren Gesichtern er einen ganz eigenen Charakter verleiht.

Spontan, ohne Anfertigung einer Vorzeichnung, wird das Holz vom Künstler bearbeitet. Die grob behauenen Oberflächen der Skulpturen vermitteln eine Art Urtümlichkeit und gleichzeitig die Passion des Künstlers für den Werkstoff. Besonders das Holz der Eiche verwendet Walter Schembs immer wieder, gerade weil es durch seine besondere Maserung und Struktur den Oberflächen jedes Mal aufs Neue einen unerwarteten und spannenden Ausdruck verschafft.

Seit 1998 lässt Walter Schembs auch Bronzen gießen, um seine Skulpturen auch im Freien platzieren zu können. Dabei überträgt er die Struktur und Maserung des Holzes in die Bronzeoberfläche, wodurch er eine faszinierende haptische Wahrnehmung der Materialoberfläche erzielt. Der Betrachter ist geneigt die Skulptur zu berühren, um das eigentliche Material erfassen zu können.

Viele seiner Arbeiten stehen im öffentlichen Raum, u. a. in Finnland, Tschechien und Luxemburg.

Galerie Barbara von Stechow
Feldbergstraße 28
60323 Frankfurt am Main

T. +49 69 72 22 44

Di – Fr 11–18 Uhr
Sa 11–16 Uhr
So – Mo geschlossen

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Felis Borealis

24.02.2024 – 06.04.2024
Herbert Brandl
Galerie Bärbel Grässlin

In seiner Ausstellung „Felis Borealis“ zeigt Herbert Brandl eigens für die Ausstellung konzipierte neue Bilder. Das Bildsujet des österreichischen Künstlers bewegt sich dabei zwischen kitschbehafteten Sujets der Tier- und Landschaftsmalerei und (vermeintlicher) Abstraktion. In ausladenden malerischen Gesten bringt er seine fast schon impressionistisch anmutenden Landschaften auf die Leinwand und lässt die Betrachterinnen und Betrachter so in seine Bildwelten eintauchen. Neben den Malereien werden skulpturale Arbeiten in der Ausstellung „Felis Borealis“ gezeigt.

Galerie Bärbel Grässlin
Schäfergasse 46 B
60313 Frankfurt

Di–Fr 10–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr

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Shifting Surfaces

03.11.2023 – 10.02.2024
Harald Kröner, Iris Schomaker, Yang Jiechang
Bernhard Knaus Fine Art

„Shifting Surfaces“ präsentiert zeitgenössische Werke auf und mit Papier. Die Gruppenausstellung bei Bernhard Knaus Fine Art kontextualisiert neue Werke dreier Positionen: Collagen von Harald Kröner, Malereien von Iris Schomaker und Tuschezeichnungen von Yang Jiechang.
Leicht, dünn, zart – dem Medium Papier werden oft Begriffe zugeordnet, die seine Fragilität ausschließlich auf eine Art und Weise betonen. Dabei lohnt sich eine vielschichtige Betrachtung von Kunstwerken auf und aus Papier. Sobald man sich mit allen Sinnen auf die Beschaffenheit solcher Werke einlässt, beginnt man ihre Komplexität zu begreifen. Diese Offenheit bei der Betrachtung von Kunst wirft unseren Blick in betrachtender Rolle auf uns selbst zurück. Im Zentrum dieser Ausstellung steht demnach die Frage: Was kann Papier zeigen?

Yang Jiechang bearbeitet Papiere in unterschiedlichen Ausführungen mit Tusche. Dabei orientiert sich der Künstler an Motiven der chinesischen Kalligrafie, dekonstruiert diese im Prozess und findet unerwartete Ausdrucksformen für den Umgang mit jahrtausendealter Tradition. Die Zeichnungen der erstmals präsentierten „Familienbande" von Harald Kröner zeigen ihr Gewachsensein in Form von sich überschneidenden Material- und Farbschichten. Sie sind bewusst als mehrteilige „Erzählungen" im abstrakten Raum zu kleinen Familien zusammengefasst. Iris Schomakers großformatige Landschaften auf Papier zeigen magisch-realistisch anmutende Szenen. Vertraute Silhouetten fließen mit wohldosierter Verträumtheit zusammen und lassen sich in der Kombination mit malerischer Präzision an keinem Punkt vollends entschlüsseln.
In den Werken dieser drei künstlerischen Positionen treffen helle auf dunkle Farbflächen und scharfe Kanten auf filigrane Linien. Schomaker bedient sich malerischer Mittel zur Erzeugung von Tiefe, während diese in Yangs Arbeit durch zeichnerische Überlagerung entsteht und bei Kröner in tatsächlicher Dreidimensionalität mündet. Der faszinierenden Anziehungskraft jedes einzelnen Werkes liegen die scheinbare Fragilität und die sinnliche Qualität von Papier zugrunde. „Shifting Surfaces“ bezeichnet die Dynamik, die rund um das Medium aus dem Zusammenspiel von Zartheit und Stärke hervorgehen kann und stellt gleichzeitig die Konstitution des Gegensatzes infrage.

Harald Kröner (*1962 in Pforzheim) lebt und arbeitet in Pforzheim. Kröners Werk umfasst Zeichnungen sowie raumgreifende Installationen. Die Werke des Künstlers sind Teil institutioneller Sammlungen in Deutschland und in den USA.

Werke von Iris Schomaker (*1973 in Stade) waren 2013 im Frankfurter Kunstverein zu sehen. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin. Ihre „neue figurative Malerei“ (Dominic Eichler) wurde zuletzt in der Royal Academy of Arts in London gezeigt.

Yang Jiechang (*1956 in Foshan) wurde in Kaligraphie und traditioneller chinesischer Malerei ausgebildet. Der Künstler lebt und arbeitet in Paris und Heidelberg. Seine Werke waren unter anderem bei den Biennalen in Venedig und Liverpool sowie im Guggenheim Museum in New York City zu sehen.

Bernhard Knaus Fine Art
Niddastrasse 84, 1. OG
60329 Frankfurt am Main

Tel. +49 (0)69 244 507 68

Di–Fr 13–18 Uhr
Sa 11–15 Uhr u.n.V.

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Double Feature

15.02.2024 – 13.04.2024
Galamb Thorday
Rundgaenger

Rundgænger is looking forward to the first solo exhibition of the painter Galamb Thorday in Frankfurt. Who hasn’t heard these phrases before? “treat yourself” or “find your inner centre again”. Something has gone off the rails due to constant stress and needs to be brought back into balance with a very special wellness treatment. The Leipzig-based painter has found her subjects in the well-tempered massage room, sauna paradise or beauty parlour. In her razor-sharp paintings, she shows us ideal places of well-being. In the “Cum grano salis” exhibition, you can discover the artist’s latest works – guaranteed to have a relaxing effect.

Rundgaenger
Niddastraße 63
60329 Frankfurt am Main

Tel. +49 173 313 52 12 / Tel. +49 175 207 27 93

Mi–Sa 15–18 Uhr
Do 19–21 Uhr (late view)

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At Any Given Hour

10.02.2024 – 04.05.2024
Daniel Canogar
Anita Beckers

Die Galerie Anita Beckers freut sich, die Einzelausstellung „At Any Given Hour“ von Daniel Canogar zu präsentieren. Mit vier generativen Kunstwerken, die sich in Echtzeit entwickeln, erforscht die Ausstellung Dichotomien von Gegenwart und Vergangenheit, Stillstand und Bewegung und verkörpert die Natur von Transformation und Informationsverarbeitung

Anita Beckers
Braubachstr. 9
60311 Frankfurt am Main

T. +49-069-92101972

Di–Fr 11–18 Uhr
Sa 12–17 Uhr
u.n.V.

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Es kommt nicht an die Größe an

02.03.2024 – 09.03.2024

Markus Brenner, Michael Erbach, Nick Ervinck | Nicola Grabiele | Marc Jung, Katrin Kampmann, Agnes Lammert | Ji Eun Lee | Valentina Murabito | Jirka Pfahl, Stefanie Scheurell, Sandra Schlipkoeter | Bernd Sommer | Susanne Sterk 
Lachenmann Art

Je größer - desto besser? Dass dieses Mantra nicht immer zutrifft, zeigt die kommende Gruppenausstellung der Galerie Lachenmann Art, deren Arbeiten nur ein Merkmal eint: ihre Größe. 
Kleinformatige Kunstwerke bieten Künstlern und Künstlerinnen nicht nur eine besondere Möglichkeit, ihr Schaffen zu präsentieren, sondern auch die Gelegenheit, ihre Kreativität bewusst zu bündeln und mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren. Die Konzentration auf eine kleine Darstellungsfläche ermöglicht dem Betrachtenden einen frischen Blick auf ungewohnte Perspektiven, kleine Details, Variationen und aber auch Störungen der Sehgewohnheiten. Dabei entsteht eine intime Beziehung zwischen Künstler, Werk und Betrachtenden, in deren Mittelpunkt die feinen Nuancen stehen, die sonst bei einem großen Maßstab verborgen blieben.
Gleichzeitig erlaubt es gerade die kleine Größe dem Betrachter, diese intime Beziehung nach außen zu tragen und sich selbst dabei in den Mittelpunkt zu stellen. Klein, leicht und dennoch inhaltlich anspruchsvoll, lassen sich kleinformatige Arbeiten unkompliziert in die bestehende Lebens- und Wohnsituation einfügen. So richtet sich diese Art von Kunstwerken an versierte Kunstliebhaber, sowie an jene, die es noch werden wollen. Sie bereichern auf pointierte Art und Weise bereits bestehende Sammlungen und bilden aber auch einen schönen Ausgangspunkt für den Beginn einer neuen Leidenschaft.. 
Die Galerie Lachenmann Art ist stolz darauf, der Öffentlichkeit eine feine Auswahl an kuratierten Kunstwerken zu präsentieren, die gerade in ihrer kleinen Dimensionen ihre Stärke zeigen.

Lachenmann Art
Hinter der Schönen Aussicht 9
60311 Frankfurt am Main

T. +49 (0) 69 7689 1811

Do–Sa 11–17 Uhr u.n.V.

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Works on Paper

26.01.2024 – 02.03.2024
Fred Sandback
Galerie Siedlarek

The exhibition presents a survey of Fred Sandback’s graphic works made between 1972 and 1984, providing unique insight into the relationship between three-dimensional situations and two-dimensional paper in his work.

Minimalist sculptor Fred Sandback was born in 1943 in Bronxville, New York. After receiving a B.A. in philosophy at Yale University, he studied sculpture at Yale School of Art and Architecture. Beginning in the 1960s Sandback created what he called “drawings in space”: large-scale yet barely visible sculptures rendered from colored yarn or elastic cord, inscribed in the volume of a specific interior at a given point in time. With subtle precision and an extreme economy of means, he created iconic sculptural installations that create striking perceptual effects in response to the surrounding architecture.

Throughout the 1970s and 1980s, Sandback translated his spatial ideas from three to two dimensions using the visual and technical capabilities unique to printmaking. Apparent iterations of his sculptures, Sandback’s graphic works draw particular attention to the concept of the line itself and its unique potential in relation to space. Beyond its geometric function, Sandback emphasized that a line represents “a whole, an identity, for a particular place and time,” a distinct entity that “mediates the quality or timbre of a situation.”

Fred Sandback’s work has been presented internationally in numerous solo-exhibitions, most recently at Hamburger Bahnhof, Berlin, in 2023. His work is represented in major public collections, including the Art Institute of Chicago; British Museum, London; Centre Georges Pompidou, Paris; Fonds national d’art contemporain, Paris; Israel Museum, Jerusalem; Los Angeles County Museum of Art; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; The Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Art, Washington, DC; Pinakothek der Moderne, Munich; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Whitney Museum of American Art. Sandback died in New York City in 2003.

Galerie Siedlarek
Fahrgasse 20
60311 Frankfurt am Main

T. 0176 80 45 26 51

Mi – Fr 12–18 Uhr
Sa 11–16 Uhr

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Strata

20.01.2024 – 16.03.2024
Lara J. Padgett
Galerie–Peter–Sillem

Die fotografischen und filmischen Arbeiten Laura J. Padgetts thematisieren Zwischenräume, Übergänge, Überlagerungen, Sperrungen und Schichten: Räume zwischen fotografischer Erzählung und Installation, Text und Bild, Geschichte und Zeitgeschehen. 

Laura J. Padgett (geb. 1958 in Cambridge, USA) erhielt ihren Bachelor of Fine Arts in Malerei am Pratt Institute in Brooklyn, New York. Zwischen 1983 und 1985 setzte sie ihr Studium in Film und Fotografie bei Peter Kubelka und Herbert Schwöbel an der Städelschule fort und erhielt 1994 ihren Magister Artium in Kunstgeschichte und Ästhetik an der Johann-Wolfgang-Goethe-Universität in Frankfurt am Main.
Seit den 1990er Jahren stellt Laura J. Padgett aus, ihre Werke und Filme wurden u.a. in der Galleria d'Arte Moderna, Bologna, im Fotomuseum Winterthur, im Städel Museum, Frankfurt, im Haus der Kulturen der Welt, Berlin, am Centre Georges Pompidou, Paris, im Pharos Centre for Contemporary Art, Nicosia, und im Museum Giersch, Frankfurt am Main, gezeigt.

Galerie–Peter–Sillem
Dreieichstraße 2
60594 Frankfurt am Main

Tel. 069/61 99 55 50

Mi, Fr 10–16 Uhr
Do 10–18 Uhr
Sa 14–16 Uhr u.n.V.

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Are you jealous?

19.01.2024 – 09.03.2024
Ekaterina Leo
Galerie Greulich

Unter dem Titel „Are you jealous?“ zeigt die Galerie Greulich die Frankfurterin neue Malereien, die sich mit dem Fernen auseinandersetzen. Das Wasser steht in ihren Werken im Fokus, inhaltlich als auch malerisch. Es geht ihr dabei stets um eine kritische Selbstbefragung der kulturellen Aneignung. Wir kennen die Südsee vor allem durch den Blick der Väter der Moderne. Aber wie schauen wir heute auf Länder, weit weg von Europa, die bedroht sind von Wasserknappheit, Verschmutzung und Ausbeutung? In welchem Verhältnis stehen die Bilder, die wir von Film, Fernsehen und Social Media kennen, zur Wirklichkeit? Diese ernsten Fragen verstecken sich hinter heiteren Farben, sodass man sich tatsächlich fragen kann, worauf genau man denn jetzt eifersüchtig ist. Auf das schöne Paradies oder die Bedrohung, eines zu verschwinden drohenden Lebensraums.

Galerie Greulich
Fahrgasse 22
60311 Frankfurt am Main

T. 069 680 961 29
m. 0172 102 507 3

Mi–Fr 13–19 Uhr
Sa 11–4 Uhr

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More than one

19.01.2024 – 09.03.2024
Daniel Behrendt + Nina Maria Küchler / Janosch Dannemann + Eva Yurková / Jan Dörre + Corinne von Lebusa / Isabelle Dutoit + Oliver Stäudlin / Laura Eckert + Tobias Freude / Gregor Gaida + Christiane Gruber / Jari Genser + Sarah Mühlbacher / Christian Hellmich + Marie Aly / Beate Höing + Takeshi Makishima / Eric Keller + Oskar Rink / Yvette Kießling + JP Meyer / Heinrich Mauersberger + Valeria Drotskaja / Adrian Mudder + Gabija Vidrinskaité / Johannes Rochhausen + Heide Nord / Fedele Spadafora + Ioana Joa / Jens Schubert + Luise von Rohden / Tanja Selzer + Paul Pretzer / Kathrin Thiele + Philipp Stöckel / Anya Triestram + Payer Gabriel / Marco Wagner + Justine Otto / Susanne Wurlitzer + Mathias Deutsch

Galerie Leuenroth

Für die Gruppenausstellung MORE THAN ONE haben die Künstlerinnen und Künstler der Galerie jeweils eine Kollegin oder Kollegen eingeladen, die erstmals in der Galerie gezeigt werden. Unterschiedliche Perspektiven und Herangehensweisen betonen Verbindendes oder Gegensätzliches, korrespondieren oder widersprechen einander. Einundzwanzig „Künstlerpaare“ treten für diese Ausstellung in einen spannenden und überraschenden Dialog und präsentieren Malerei, Zeichnung, Grafik, Skulptur und Objekte.

Galerie Leuenroth
Fahrgasse 15
60311 Frankfurt am Main

Tel. +49 175 5617654

Mi–Fr 13–18 Uhr
Sa 12–16 Uhr u.n.V.

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Räumlichkeiten

19.01.2024 – 01.03.2024
Ulf Puder
Galerie Heike Strelow

Ulf Puder’s second exhibition in the gallery Heike Strelow , titled "Räumlichkeiten", showcases the latest works of the painter.
In the years 2022 and 2023, Ulf Puder's art predominantly captured the grandeur of expansive, winter-clad mountain scenes. However, a captivating shift is underway as the artist delves into the exploration of deserted structures, frequently intertwined with the rugged beauty of mountain formations. The paintings portray landscapes imbued with primal force, juxtaposed with modernist or minimally traditional residential architectures. The resulting images narrate the existential interplay between nature and culture, revealing captivating yet occasionally unsettling tensions in their coexistence.

Some works intensify this narrative through additional space-defining elements like golden spheres or gold-colored rock formations, serving as connectors between landscape and architecture. These forms, historically representing the sun or cosmic elements such as meteorites in the realm of painting, introduce further existential dimensions to the images. They simultaneously underscore the significance of form and color for Ulf Puder. In these new works, the artist continues to navigate the threshold between representational and abstract art, constructing representative images from organic and geometric, abstract forms. Combined with an atmospherically rich color palette punctuated by luminous details, architectural landscapes unfold before our eyes—familiar yet seemingly beyond space and time.

Galerie Heike Strelow
Lange Straße 31
60311 Frankfurt am Main

Tel. +49 69 48 00 54 40

Mo, Mi–Fr 12–18 Uhr
Sa 12–15 Uhr u.n.V.

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Two Porcupines

19.01.2024 – 24.02.2024
Desirée Eppele, Lukas Schönthal
Galerie Monica Ruppert

Geborgenheit und Sicherheit werden in der Ausstellung „Two Porcupines“ aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet, welche aufzeigen möchte, dass die beiden Zustände nicht entweder bestehen oder abwesend sind, sondern ein komplexes Zusammenspiel von Faktoren darstellen. So bilden sich aus ähnlichen prozesshaften Situationen zwei verschiedene künstlerische Positionen, die sich nicht konträr gegenüber stehen, sondern ineinander greifen.

Galerie Monica Ruppert
Bleichstr. 48
60313 Frankfurt am Main

T. +49 171 18 36 462
T. +49 69 219 329 88

Do–Fr 15–19 Uhr
Sa 12–15 Uhr u.n.V.

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